No sabemos si es el presente…

Esto es un proyecto gestado desde intereses que ha simple ojo podrían ser interpretados como fútiles y que en alguna medida lo son, pero que por esa misma cualidad, las obras se dan el lujo de poder ser abordadas con mayor intriga, donde cada pieza tiene una naturaleza y ambiente propio, en el que se desenvuelve en su propio abandono. Son seis piezas que se permiten jugar con ese público candoroso y presuntuoso que ha voluntad decide adentrarse en un espacio que para muchos puede considerarse seguro y pronosticable, una estructura ya formada desde las mismas bases de lo que fácilmente reconoceríamos como la postmodernidad artística, ese espacio en el que cualquier cosa podría suceder, … pero no sucede. La galería se ha convertido en la “zona segura” pues este proyecto intenta des-configurar esa perspectiva vacua del espacio artístico, hemos decidido repensar el espacio, pero no para transformarlo sino más bien para activarlo por medio de las diferentes percepciones que se pueden lograr dentro de sí mismo con este proyecto, donde la capacidad de entender o no, deja de ser relevante frente a las obras. Este es un proyecto que se plantea la incertidumbre, la utopía y condena a un público a formar parte de esta muestra, con obras que son capaces de involucrarte por su ingenuidad y sutileza, donde su naturaleza desenfadada, permite a quien se acerca a ellas, hacerlo sin pretensión alguna, y tal vez este desenfado, que tanto he mencionado, logre poner al espectador nervioso. “Un renombrado pintor abstracto me dijo: “Ah, el público; siempre nos preocupamos por el público”. Otro me preguntó: “¿De qué incomodidad hablamos? A fin de cuentas, el arte no tiene por qué ser para todos. El público lo entiende y entonces lo disfruta, o no lo entiende y entonces no lo necesita. Por lo tanto, ¿cuál es el problema?” Pues bien, intentaré explicar cuál es y, antes todavía, de quién es el problema, a mi entender”, decía Leo Steingber en un ensayo que me llamo mucho la atención, porque me hace preguntar si puedo reconocer quien es el público o no lo es, de quienes estamos hablando y si hay o no alguna relevancia el saber reconocerlos y estacionarlos dentro de nuestros intereses al momento de producir.

La inestabilidad permite cargar el espacio con “tensión”.  Tensión casi que palpable cuando la presencia física de los materiales se imponen frente al espectador, amenazantes y sugiriendo respeto; o con la expectativa de un acontecimiento: en cualquier momento algo puede pasar. Obras que crean un conjunto al borde de la ruptura. Se mantienen en equilibrio, pueden ceder y caer, creando un dialogo de tiempos y de posibilidades en un mismo espacio. “Una inestabilidad concreta. Un caos que se fija alrededor. Construcciones que contienen la fragilidad de su lado”.

Home sweet Home
Graciela Guerrero
Instalación
2015

La Fontaine – el movimiento del nautilus
Boris Saltos
Video Proyección sobre Agua, Piedra
2014

Scalibur de la serie: La vida no me deja morir
Graciela Guerrero
Detalle
Dibujo
2015

En compañía de un extraño de la serie: La vida no me deja morir
Graciela Guerrero
Dibujo
2015

Es solo una cuestión de actitud de la serie: La vida no me deja morir
Graciela Guerrero
Dibujo
2015

Goldfish
Boris Saltos
Instalación
2014.

Por Casualidad
Boris Saltos / Graciela Guerrero
Serie Fotográfica
2015

Otra vez el rapto
Boris Saltos / Graciela Guerrero
Video 2´34´´
2015

Esto no es una Elegía
Graciela Guerrero
Instalación
2015

Todo va revuelto

Lugar a dudas Cali, Colombia

La religión en términos generales, es la forma de vida o creencia basada en una relación esencial con el universo o con uno o varios dioses;  esto es cuando los seres humanos creemos y tenemos fe gracias a una supuesta estrecha relación que construimos ya sea por costumbre,  por cultura o por imaginación… Basada entonces en la imaginación, Graciela al igual que otros artistas contemporáneos es parte de esa consolidación de un nuevo arte religioso sin fe. ¿Son necesarias las convicciones personales del artista con respecto a las verdades de la fe?…

La Iglesia para Graciela más que ese lugar de encuentro, donde ante Dios a veces nos encontramos sentados, arrodillados o parados, ha sido más bien una riquísima fuente de tradiciones, de imágenes de santos, vírgenes y uno que otro diablito que siempre se filtra al servicio de su trabajo, al mismo tiempo que repite el padre nuestro, Graciela; comprende, conoce, interpreta el patrimonio de la Iglesia y como este le sirve a su obra.

Todo va revuelto se presenta como un irónico cuestionamiento,  muestra la forma estereotipada de aproximarse y vender a  ese Dios, la “manipulación de almas” por parte de las narrativas religiosas comunes a cambio de la salvación eterna.

En su video Tres Gracias Graciela convoca en un mismo set de televisión a la Madre Angélica, una religiosa clarisa, que decide inspirada por Dios fundar la primera cadena de Televisión católica, a Walter Mercado autodenominado psíquico que se dedica a realizar supuestas predicciones por medio de Dios, y por ultimo al Pastor Paulo Fernández perteneciente a la Iglesia Universal del Reino de Dios y al programa pare de sufrir.

El trío proclama la espiritualidad conducida por fuerzas externas y el amor incondicional a un Dios, revelando las tensiones opuestas, posiciones filosóficas de la posesión de espíritus, creencias, cielo e infierno. La superposición diálogos confrontados, todos a la vez encarnan un desvarío sinsentido, invitando al espectador a que “sufra” una batalla oscilante donde se produce una suerte de juicio.

La artista recorre a manera de turista  Cali y descubre una nueva estrategia para acercarse  a Dios, ¡misas en los centros comerciales! La serie de fotografías Farándula de Charlatanes  pretende desnudar las arbitrariedades terrenales que conllevan estas construcciones  de fe y confronta imaginarios “sagrados” con publicidad. ¿Pensó alguna vez arrepentirse de sus pecados en un centro comercial?…

Tres Gracias
Vídeo
2´47″

Farándula de Charlatanes
Serie Fotográfica
Medidas Variables

El Beso

 

Graciela Guerrero
El beso
2013
Escultura
Resina
24 x 13x 18 cms.

Desde el punto de vista de la conducta, pareciera que nos encontrásemos frente a una tierna posición escultórica; un tierno y viejo sacerdote que inclinado sobre sus rodillas apunta a besar a un niño monaguillo. Pero sabemos que la postura va más allá de la posición, y es precisamente en ese tira y jala entre posición y postura que aparece el “Beso”; una obra que de momento no le hace honor a su nombre puesto que este nunca se consuma. Sin embargo, la representación de la intención basta para poner a la fe en una posición incómoda a solo centímetros de ser cuestionada.

 El “Beso” (el que no se ha dado) apela a la propia imaginación del espectador o creyente, y de cómo este, juzga esa intención, provocando una fricción en los fundamentos mismos de la moral. Dejándole al espectador el derecho inherente para juzgar por sí mismo, pero a la vez confiando en la certitud de una lectura cómplice y encubridora. En complejo y acudiendo a la idea de Magritte es la percepción como ilusión que en lo absoluto se parece a la realidad.  Es importante dejar en claro que la obra no hace alusión a nadie en específico, ni pretende generalizar la problemática en todos los representantes de la Iglesia católica.

Los Penitentes

Los penitentes, Instalación, Cemento y Madera, 2013

Más es más
Centro de Arte Contemporáneo de Quito.
24 de Julio al 13 de octubre 2013

Gárgolas y Quimeras se apropian de los asientos reservados para la humanidad y contemplan el paso de la misa en un perturbador silencio, no son gárgolas y quimeras descontextualizadas sino más bien reubicadas en su propio contexto. Obsoletas en tiempos modernos, ya no son guardianes de fe , ahora son seres  desdichados de aquel palacio , al cual custodiaron.

El Rapto

Óleo  sobre lienzo 40cm. x 60cm.  2013

Una nube secuestra a un burro. Raptos, ya muchos han habido, pero este se atreve a inquietarnos más que cualquier otro. Una escena de pesadilla, caracterizadas por un sentimiento de extrañeza. El imaginario del mundo animal (el burro), aquel que tiempos atrás fue el personaje protagonista de la llegada del salvador. La entrada triunfal. Hoy, ahora, la bestia es llevada a la fuerza y privada de su libertad, pero inquietante es la visión donde se propone la ambigüedad será para  bien o será el lecho de su muerte.

In Other Words

In anderen Worten

In Other Words
The black market of translations – negotiating contemporary cultures

3 March – 15 April 2012
Opening: 2 March, 19h

Neue Gesellschaft für Bildende Kunst

IN OTHER WORDS
The Black Market of Translations – Negotiating
Contemporary Cultures

in cooperation with
Kunstraum Kreuzberg/Bethanien.

Opening:
2. March 2012, 19 h

NGBK, Oranienstrasse 25, 10999 Berlin
and Kunstraum Kreuzberg / Bethanien
Mariannenplatz 2, 10997 Berlin

Speakers:
Karin Rebbert, Managing Director NGBK
Hans Panhoff, Citycouncillor Friedrichshain-Kreuzberg
Members of the project group

Project Group:
Elena Agudio, Stéphane Bauer, Elena Bellantoni,
Paz Guevara, Giulia Piccini

Graphic Designer:
Sibilla Ferrara

IN OTHER WORDS.
The Black Market of Translations – Negotiating Contemporary Cultures is the title of an art exhibition which uses the operations of translation – reading, understanding, interpreting and rewriting a foreign text – as a cultural strategy to cross into other cultures. The exhibition displays a market of the foreign and otherness, inviting artists that explore the language of the Other to work in-between languages and cultures, penetrating, embodying and ‘contrabanding’ Others’ words.
Beyond the prevailing passive co-existence of multiculturalism and static cultural diversity, it is necessary to explore a significant exchange between cultures by taking up the active practice of translation. In the spirit of a black market, the exhibition temporally exposes and reveals the acts of cultural transaction, transference, and translation of this cultural economy of the in-between, posing the question whether translation could reconcile the differences that separate languages, identities, and cultures, while proposing a form of ‘cultural translation’ which could ultimately become a concept for further cooperation and negotiation for contemporary cultures.
As a Black Market, the metaphor of ‘illegal traffic’ gives room for several counter-translations and adjoins the notion of a double-exhibition, which exposes multiple translation operations – major and minor; dominant and in resistance; official and censored – thus achieving a broader understanding of the experience of globalization, including the consideration of popular, informal, and alternative practices.

Artists:
Adel Abidin, Marwa Arsanios, Kader Attia, Julien Audebert, Elena Bellantoni, Emilio Chapela Pérez, Cherimus, Julian D’Angiolillo, DETANICO LAIN, Yoel Díaz Vázquez, Braco Dimitrijević, Mounir Fatmi, Ofir Feldman, Graciela Guerrero Weisson, Christoph Keller, Moridja Kitenge Banza, Daniel Knorr, Takehito Koganezawa, Oliver Laric, Karl Larsson, Adrian Lohmüller, Monroy, Muntadas, Timo Nasseri, Olaf Nicolai, Jorge Pedro Nuñez, Nana Oforiatta-Ayim, Timea Oravecz, Bernardo Oyarzún, Soledad Pinto, Rosãngela Rennó, Gabriel Rossell Santillán / Nik Nowak, Sona Safaei-Sooreh, Mariateresa Sartori, Demian Schopf, Lorenzo Scotto di Luzio, Paolo W. Tamburella, Mihalis Theodosiadis, Dani Umpi, Sandra Vásquez de la Horra, Humberto Vélez, Luca Vitone, James Webb, Dilek Winchester.

6ta VentoSul Bienal de Curitiba

La ecuatoriana Graciela Guerrero es una de las artistas cuya obra será presentada en la 6ta VentoSul Bienal Curitiba,  que se desarrollará bajo el concepto curatorial – Más allá de la crisis.  Los curadores generales son Alfons Hug y Ticio Escobar; Adriana Almada y Paz Guevara son co-curadoras; Alberto Saraiva tiene a su cargo la curaduría nacional y Artur Freitas, Eliane Prolik y Simone Landal la selección de los artistas locales (del Estado de Paraná).

Del 18 de setiembre y el 19 de noviembre 2011

Auge y Decadencia de América Latina

 

http://www.bienaldecuritiba.com.br

LUGAR DE EXPOSICIÓN

Museu da Gravura Cidade de Curitiba

Su sede se encuentra en el Centro Cultural Solar do Barão y administrado por la Fundación Cultural de Curitiba, el Museo fue palco de uno de los más importantes eventos del país ? la Muestra del Grabado, que reunió los más representativos nombres del grabado contemporáneo. Sus atelieres de grabado reciben, constantemente, artistas de varios países.

http://www.telegrafo.com.ec/index.php?option=com_zoo&task=item&item_id=14668&Itemid=30

http://www.larepublica.ec/blog/cultura/2011/09/12/graciela-guerrero-representara-al-pais-en-bienal-de-curitiba/

http://lau.ec/index.php?option=com_content&view=article&id=477:ex-alumna-del-itae-seleccionada-para-bienal-de-curitiba&catid=52:la-circular&Itemid=60

El sueño de Bolívar produce monstruos – Galeria dpm

El sueño de Bolívar produce monstruos

El trabajo de Graciela Guerrero permite realizar, a través de representaciones de violencia que atraviesan nuestra cotidianidad, una jovial indagación en torno a distintas facetas de conflictividad social. Las reelaboraciones que logra en diversos medios (video, escultura, instalación) potencian la contaminación estética de repertorios iconográficos perversamente manipulados en los entrecruces de la comunicación de masas, el entretenimiento y la cultura popular. Tras su lúdica poética opera sin embargo un agazapado filo crítico que, como un espejo, devuelve en términos simbólicos decidores matices del disparatado legado histórico de nuestro tiempo.

En la serie de esculturas ¡Extra! ¡Extra! la artista monumentaliza las caricaturizaciones de hechos delictivos que aparecen en la prensa amarillista; aquí aparenta señalar la ironía que encierra este subterfugio, empleado como respuesta a las nuevas normas constitucionales que prohíben mostrar fotografías de las víctimas de la violencia. En el trío de videos pertenecientes a la Suite Barry White se muestra una cascada de imágenes que lidian con las convenciones de representación del crimen y el castigo en los mass media, invocando tangencialmente las aristas más provocadoras de los debates y reformas legales en el país, como la delincuencia, el narcotráfico, la llamada justicia indígena, la libertad de prensa y la responsabilidad ética y social de los medios.

La video instalación Auge y decadencia de América Latina acentúa el carácter tragicómico del trabajo de la artista, hilvanando en ella una gran metáfora del devenir del panamericanismo a la luz del crispado escenario ideológico de la región; lo hace a través de uno de los poquísimos referentes culturales que realmente comparten los países de esta “vecindad”: El Chavo del 8. Esta visión pesimista se confirma en Infiernillo, una instalación que juega libremente con imágenes derivadas de los nichos del cementerio guayaquileño para reinterpretar el clima que abriga al resto de obras, y que bien puede ser símil del presente político ecuatoriano. Retumban aquí, como ecos, los dejos moralizantes del discurso hegemónico y la fantasmal amenaza del enraizamiento de un régimen punitivo.

Guerrero plantea sus obras como un guiño desconcertante: confiando en la certitud de una lectura cómplice, pero a la vez sembrando duda sobre sus verdaderas intenciones: la inasibilidad integral del punctum crítico en ellas. La invocación goyesca en el título de la exposición permite, sin embargo, enfocar estos trabajos como nuevos “caprichos”, cada uno encerrando incisivas sátiras del decadente contexto social y político que vivimos, el cual, hoy más que nunca, duerme el más profundo sueño de la razón.

Rodolfo Kronfle Chambers

Fiscal

Auge y decadencia de América Latina (2010) – Videoinstalación – Montaje en el MAAC

Auge y decadencia de América Latina (2010) – Videoinstalación

Infiernillo (2010) – Instalación

Infiernillo – Instalación en el MAAC

Suite Barry White (2009-2010) – Video

Todos Caerán – Parte de la Suite Barry White (Stills)

La pesadilla de Barry – Parte de la Suite Barry White (Still)

Lo que puede un sastre –  Parte de la Suite Barry White (Still)

¡Cayó la «Corta-Pájaros»! (2009) – De la serie ¡Extra! ¡Extra!

¡Lo quemamos vivo en cinco minutos! (2010) – De la serie ¡Extra! ¡Extra!

¡Baile de puñales mató a dos en Sangolquí! (2010) – De la serie ¡Extra! ¡Extra!

¡Lo violó todo el día dentro de un carro! (2009) – De la serie ¡Extra! ¡Extra!

Comentario de Rodolfo Kronfle Ch:

La exposición se inaugura  en la Galería dpm debido a su cancelación a ultima hora en las salas del Museo Antropológico y de Arte Contemporáneo (MAAC) del Centro Cultural Simón Bolívar. El museo canceló la muestra -que estaba ya montada y con los boletines de prensa cursados- porque la dirección del mismo no estuvo de acuerdo con el título, el cual, como es evidente, reformula el nombre del célebre grabado de Goya e invoca el ejercicio crítico que realizó en su Caprichos. Cabe recalcar que el título definitivo de la exposición fue dado a conocer el 20 de abril del presente y que a la artista le exigen cambiarlo el 4 de mayo, a dos días de la inauguración, cosa que no aceptó. Vale mencionar además que desde que Guerrero presentó su proyecto no hubo modificaciones en ninguna de las obras.Llama la atención entonces esta señal de arbitrariedad que no se compadece de los criterios con que se deben manejar las instituciones culturales públicas. Esta actitud reproduce el sesgo ideológico que varios artistas, críticos y gestores han señalado en otras instituciones ubicadas al otro lado del espectro político. Queda sentado este como un contundente ejemplo: la intoleracia no es hija de la derecha ni de la izquierda, es parida por el ego alucinado del poder. Lamentable, descriteriada e injustificable actitud del MAAC. Durísimo golpe a la credibilidad que todos esperábamos se construya luego del cambio de administración. La ironía en este desatino del museo -después de todo aportando significantes al trabajo de la artista- es que el tenor político de la obra de Guerrero es de naturaleza post ideológica, y busca -si algo busca- evidenciarla, cualquiera sea su carácter:

“se puede poner la ideología en contradicción imbuyéndole una forma que subraye sus límites ocultos, presionándola contra sus propios límites y revelando sus carencias y elisiones, obligando así a hablara sus necesarios silencios.” Terry Eagleton

Comentario de Lupe Álvarez: «es parida por el sesgo alucinado del poder»…, es parida por el miedo. El control simbólico (percibido y subjetivado) se hace carne en la depuración -a priori- de aquello que con sólo nombrar amenaza. Bajo su égida se crean -y esto es efectivamente, postideológico-  categorías que tienen una prolija trayectoria: «no es el momento», «en esta situación hay que bregar con tino», «no hay condiciones para…». O sea, “Ojo de águila” no es una política contingente en la que la tecnología visual nos avisa de su  sesgo disciplinante. Es el efecto apremiante de la clausura ideológica que el control (vuelto cuerpo) posibilita.

El sueño de Bolívar produce mounstruos en Proceso – Cuenca

LAS PARÁBOLAS DE GRACIELA GUERRERO

Concebida originalmente para ser expuesta en el MAAC, el Museo Antropológico y de Arte Contemporáneo del Centro Cultural Libertador Simón Bolívar, donde como era de esperarse fue cancelada a última hora  –pues darle cabida era como nombrar la soga en casa del ahorcado–, El sueño de Bolívar produce monstruos, de Graciela Guerrero, se presentó en la Galería dpm en Guayaquil y desde 29 de julio se halla en la galería Proceso / Arte Contemporáneo en Cuenca donde permanecerá abierta hasta el 27 de agosto. El autor de estas notas recomienda su visita con la compañía de menores de edad que ya son votantes de derecho, o incluso de niños que miran en los horarios ordinarios los realities autóctonos que la corrección o estulticia política llama “justicia indígena”.

Desde su audaz y oportuno título, El sueño de Bolívar produce monstruos se presenta como un lúcido, irónico y lúdico cuestionamiento del desorden social y político nacional, ese caos histórico e inveterado que la ideología bolivariana ha actualizado y en algunos terrenos ha acentuado dramáticamente con su hipertrofia de un agotado discurso izquierdista y patriótico que tan mal se lleva con la razón práctica que debería guiar la administración del estado. Sobre este trauma o espejismo, Guerrero actúa en clave parabólica, es decir, como en aquellos sencillos relatos figurados –característicos de los evangelios cristianos–, de sus esculturas y registros audiovisuales deriva por analogía o semejanza una enseñanza política y moral: a la luz de ciertos síntomas sociales “el sueño de Bolívar” se ha convertido en una pesadilla para millones de venezolanos, bolivianos y ecuatorianos.

Para ilustrar este esperpéntico paisaje socio-político, Guerrero empieza por ejecutar una eficaz paráfrasis de la locución inscrita por Goya en su célebre grabado “El sueño de la razón produce monstruos”. Leída ahora, dos siglos después, la riqueza de  esta inscripción reposa en su ambivalencia, nos recuerda tanto los peligros de la razón, como los de no escuchar su voz o consejos. Dicho sea entre paréntesis, acaso la gran lección del arte –que la política no termina de aprender– es que su posibilidad de trascendencia y comunicación surge de la sabia alternancia o combinación entre sueño y razón.

Apropiándose de una serie de imágenes e imaginarios de la cultura popular y mediática (la prensa amarilla, el reportaje y la serie televisivas, o el ornamento funerario) Guerrero pone al descubierto las patologías de la realidad bolivariana al revelar o representar algunos indicios de la descomposición social y moral que padecemos: los linchamientos indígenas legitimados como práctica ancestral y como espectáculo de masas; los operativos antidrogas como simulacro de la legalidad, el orden y control de la delincuencia –inexistentes fuera del ámbito del narcotráfico–; la crueldad, la miseria y la abyección expendidas por el periodismo carroñero.  Por lo pronto, este es el tema de los tres videos de la Suite Barry White, donde las canciones de este famoso intérprete del soul (suceso artístico de los 70 y 80) son la banda sonora de los antedichos documentos periodísticos, con lo cual la artista provoca una fricción lingüística verdaderamente inflamable por su elevado octanaje irónico (como lo hizo anteriormente en su estupendo Karaoke, donde se apoderó de un video promocional del municipio guayaquileño en el cual las imágenes de la ciudad cívica y regenerada eran acompañadas por una versión instrumental del popular tema Guayaquil de mis amores, que la artista rotuló en quichua, reproduciendo la disonancia característica de la retórica del karaoke). Así el video Todos caerán,  recuento fotográfico de los operativos antinarcóticos, va acompañado por la canción You’re The First, The Last, My Everything cuya primera estrofa reza así:

My first, my last, my everything  And the answer to all my dreams.  You’re my sun, my moon, my guiding star  My kind of wonderful, that’s what you are.

Cuya traducción aproximada podría decir:

Mi principio, mi fin, mi todo

y la respuesta a todos mis sueños.

Tu eres mi sol, mi luna, la estrella que me orienta

mi afable prodigio, esto es lo que tu eres.

El efecto antes que hilarante es perturbador como suele ocurrir con las paradojas. La idealización, acusadamente romántica, en el contexto del video compete por igual al objeto policial (el contrabandista) como al objeto del deseo o del delito (el cargamento de droga que -presentado como prueba de la infracción–, los oficiales de policía se esmeran siempre en arreglar o componer tal una especie de bodegones o vanitas contemporáneas donde los revólveres reemplazan a las calaveras y los paquetes de cocaína a los relojes de arena; de allí que la artista privilegie los primeros planos).

Cierto es que  fuera de las ejecuciones o lapidaciones (que paulatinamente dejan de ser iniciativas indígenas para volverse procedimientos generalizados en las áreas suburbanas o rurales, de modo que nos hemos convertido –con la venia de la Revolución Ciudadana– en un país de cafres) ni el contrabando ni la crónica roja son patrimonios nacionales o bolivarianos, pero su fastidiosa persistencia en las páginas y pantallas de nuestros medios dan cuenta de un ostensible deterioro de las condiciones de vida, de un lamentable estado moral y emocional,  y de las mistificaciones de las políticas de seguridad implementadas por el régimen. Un proyecto político que empezó por falsear su sentido original o su misión histórica (la de una izquierda moderna, versátil y dialogante), ha terminado por falsificarlo casi todo.

Esta es una de las cuatro partes –sutilmente interconectadas– que podemos distinguir en la muestra de Graciela Guerrero. La segunda –acaso la más visible y notable de todas– es el conjunto de esculturas policromas que conforma la serie ¡Extra! ¡Extra!, nombre del tabloide amarillista –que la artista siempre atenta a las voces, a las hablas, escribe reproduciendo el pregón del voceador§–, verdadero dispensario de sordideces cuyas ilustraciones Guerrero traduce a un lenguaje tridimensional, con materiales y técnicas propias de la escultura contemporánea (resina de poliéster y pintura de poliuretano). El resultado es un kitsch a la manera de cierto Jeff Koons, pero nada complaciente ni encofitado. Al amplificar los dibujos del tabloide (sucedáneo del documento fotográfico), al reproducir y remedar la búsqueda del efecto sentimental o emocional que según Umberto Eco caracteriza al kitsch (sobre todo la excitación sexual en el caso del Extra), la artista utiliza el efecto kitsch para poner en evidencia el carácter grotesco y grosero de al menos una arte de nuestra realidad, esa que prefieren y consumen los lectores del diario.

Pero en ningún caso es más clara la apelación a la parábola que en  su videoinstalación Auge y decadencia de América Latina (cuatro videos mono-canal en loop), donde la artista usurpa y ralentiza cuatro secuencias de la conocida serie mexicana El Chavo del Ocho, en cada uno de los cuales los personajes intercambian cachetadas hasta el infinito. En un primer momento parece difícil encajar estas tomas dentro del conjunto, pero el título resulta una buena pista para aventurar una lectura. Es sabido que en El 18 de Brumario de Luis Bonaparte, Marx señaló que todos los grandes acontecimientos de la historia universal ocurren dos veces, la primera como tragedia, la segunda como farsa. En el año del cacareado Bicentenario, cuando gran parte de los países americanos son gobernados por una izquierda folclórica y confusa, cabe asociar esta chabacanada de vecindario como un comentario parabólico o alegórico de la situación política continental. Lo grave o triste es que la farsa repetida hasta la tontería y el cansancio ya no produce risa.

Finalmente, con el retablo Infiernillo, donde Guerrero replica en acero inoxidable algunas figuras del ornamento funerario (ángeles y demonios) la artista nos recuerda que las revoluciones siempre maniqueas –como toda religión salvadora–, crean sus propias escatologías. Pero las escatologías revolucionarias no son un conjunto de creencias y doctrinas referentes a la vida de ultratumba, sino que se cumplen en la vida terrena donde los pobres son recompensados con bonos de caridad y los ricos (aunque hayan obtenido lícitamente su fortuna) son castigados  con gravámenes y expropiaciones sistemáticos.

Entre las argucias verbales y los registros del habla, en la escultura ¡Cayó la corta-pájaros!, la artista juega con el doble sentido ejecutando una ingeniosa operación autográfica al escribir su hipocorístico (“Chela”) en una botella, al tiempo que designa la cerveza usando un vocablo del argot costeño: “chela”.

Cristóbal Zapata

Técnicas de proyección y supervivencia en el Nuevo Orden

Técnicas de proyección y supervivencia en el Nuevo Orden
Acrílico sobre lienzo
150 cm. x 150 cm.
Salón de Octubre
2010

El trabajo de Graciela Guerrero permite realizar, a través de representaciones de violencia que atraviesan nuestra cotidianidad, una jovial indagación en torno a distintas facetas de conflictividad social. Las reelaboraciones que logra en diversos medios (video, escultura, instalación, pintura) potencian la contaminación estética de repertorios iconográficos perversamente manipulados en los entrecruces de la comunicación de masas, el entretenimiento y la cultura popular. Tras su lúdica poética opera sin embargo un agazapado filo crítico que, como un espejo, devuelve en términos simbólicos decidores matices del disparatado legado histórico de nuestro tiempo.

En varios murales, instalaciones y pinturas la artista ha jugado de manera libre con imágenes derivadas de los nichos del cementerio guayaquileño. Este ejercicio ha sido parte de su práctica que involucra el tránsito, contaminación e hibridación de imaginarios entre distintos ordenamientos antropológicos, como en este caso, entre el arte popular, el sistema del arte contemporáneo, y la estética y diseño de portadas de discos (aquí un guiño significante y perspicaz a la imagen solarizada del album Technique del grupo británico New Order).

Este tipo de ejercicios sin embargo se puede potenciar discursivamente ante el telón de fondo del presente político ecuatoriano, donde retumban, como ecos, los dejos moralizantes del discurso hegemónico y la fantasmal amenaza del enraizamiento de un régimen punitivo.

Guerrero plantea sus obras como un guiño desconcertante: confiando en la certitud de una lectura cómplice, pero a la vez sembrando duda sobre sus verdaderas intenciones: la inasibilidad integral del punctum crítico en ellas.